E n el mes de agosto se realizó Arte en código NFT: oportunidades y desafíos para el arte en el espacio digital, un evento organizado por el Fondo Nacional de las Artes (FNA). El tono de la primera exposición, a cargo Gabriel Rey Linares, experto en blockchain y criptoarte, parecía anunciar el inicio de una revolución: “Se viene la tokenización de la economía”, “puedo comercializar arte desde mi teléfono celular deslizando la pantalla con un dedo”, “lo que está en el blockchain va a estar mientras la humanidad exista”. Pero, a la vez, Linares necesitaba recurrir a abundantes analogías y metáforas para explicar cada concepto, dando cuenta de lo arduo de la temática. Se hablaba de NFT o Non-Fungible Token (por sus siglas en inglés), un término bien conocido en el mundo de las “criptofinanzas”, pero ajeno al ecosistema del arte tradicional hasta marzo de 2021. Fue en ese entonces cuando la icónica casa de subastas Christie’s, fundada en el siglo XVIII, vendió su primer NFT y la historia cambió.

Convivir con la pandemia se ha vuelto un habitar la digitalidad de forma casi permanente. En este contexto, fueron muchas las instituciones que debieron adaptarse a dialogar con sus interlocutores: desde los hospitales y las teleconsultas hasta los museos y las visitas virtuales, o desde la escuela y las clases por Zoom hasta las grandes ferias de arte y los recorridos de sus versiones online. Así, un token no fungible –-o NFT– de imágenes de Instagram reunidas en un collage fue subastado por Christie’s en 69,3 millones de dólares hace apenas unos días. La pieza, una imagen digital no material, parece marcar un cambio crucial para la industria y el universo artístico. ¿Qué pasa con la distribución del arte en este escenario? ¿Cómo es la relación entre productores y espectadores mediada por Internet y los dispositivos móviles? El archivo en su variante digital, ¿garantiza la trascendencia temporal del artista?

Se realizó una jornada en el Macba sobre el arte del continente africano. Allí se debatió sobre el ritual y el arte.

A principios del siglo XX, el coleccionista clave del período de entreguerras, marchante de arte francés y promotor del Art Négre, Paul Guillaume, detectó que la cultura occidental se hundía y por lo tanto debía ser salvada. Y aunque la única vía de salvación para la cultura blanca sería responsabilidad de la vanguardia, de “nosotros, modernos caballeros errantes”, no podrían hacerlo sin la contribución del arte negro: “El espíritu del hombre moderno –y de la mujer moderna– necesitan ser alimentados por la civilización de los negros”.

Diala Brisly. Desde Beirut, ayuda con sus dibujos a los chicos a huir de la barbarie que los rodea en Siria.

En febrero de 2011, dos nenes sirios escribieron en la pared de su escuela: “La gente quiere que el régimen caiga” y “Está llegando tu hora, doctor”. Se dirigían a Bashar al Assad, el oftalmólogo presidente y comandante en jefe de las fuerzas armadas de Siria. Por esa travesura los arrestaron, torturaron y les sacaron las uñas. A continuación hubo manifestaciones, la policía mató manifestantes y así estalló la última de las revueltas árabes.

“No podemos hacer que los niños vivan en otro ambiente. Por eso, lo que intento con mis ilustraciones es que el ambiente que los rodea sea mejor. Es una forma de enfrentar la tragedia de una manera diferente”, explica por Skype Diala Brisly (ver foto), ilustradora y diseñadora de afiches exhibidos en las marchas. Su dibujo sobre la huelga de hambre en la cárcel de mujeres de Adra –campaña en repudio por los casamientos de menores conocidos como “matrimonios por protección”– se viralizó en las redes sociales al mismo tiempo que la guerra se instalaba en el país.